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concerto( it.,“ concierto”). En general un concerto se considera una pieza para uno o más solistas y orquesta. Sin embargo, el término ha sido aplicado a una amplia variedad de música, buena parte de la cual no cumple este criterio básico. Concerto deriva probablemente del latín concertare, que puede significar“ discutir” o“ trabajar en común”; en italiano la misma palabra significa“ acordar” o“ conjuntar”. Estos conceptos duales de competencia y colaboración han sustentado el género desde su historia más antigua, aunque en diferentes periodos el énfasis ha cambiado de uno al otro.
1. Orígenes e historia antigua; 2. El concerto grosso; 3. El concerto ritornello; 4. El concerto clásico; 5. El siglo XIX; 6. El siglo XX.
1. Orígenes e historia antigua Hacia fines del siglo XVI, el término“ concerto” se usaba mayormente en el sentido de colaboración y denotaba música para ensambles vocales o dotaciones mixtas de voces e instrumentos. La publicación más antigua con ese título es Concerti di Andrea, et di Gio. Gabrieli, organisti( Venecia, 1587), una colección de música sacra y madrigales para grandes dotaciones. Los Cento concerti ecclesiastici( Venecia, 1602) de Viadana aplicaban el mismo principio a ensambles más pequeños, y a lo largo del siglo XVII el término fue utilizado en este sentido no sólo en Italia sino también en Alemania, donde el geistliches Konzert se volvió un género importante de la música sacra protestante. El concerto puramente instrumental tiene sus orígenes en las últimas dos décadas del siglo XVII, cuando compositores en varias ciudades italianas comenzaron a explotar los contrastes técnicos y de textura entre solo y tutti en sonatas interpretadas por orquestas de cuerdas. De particular influencia fueron las sonatas orquestales para trompeta de compositores boloñeses como Cazzatti y Torelli, piezas en que los abruptos contrastes de textura, los brillantes pasajes y el diálogo temático reemplazaron al idioma contrapuntístico de la sonata a solo. El estilo melódico claro y vigoroso que caracterizó la escritura idiomática para la trompeta se transfirió rápidamente a la escritura para el violín solo en concertos para cuerdas solas, como en el op. 6 de Torelli( Augsburgo, 1698), y se convirtió en el sello del concerto barroco posterior.
2. El concerto grosso En Italia pronto se desarrollaron dos tipos distintos de concerto instrumental. En el norte, la orquesta básica de cuerdas a cuatro partes se complementó con un solista proveniente de sus filas( usualmente el violín principal); pero en Roma el núcleo de la orquesta era un ensamble concertino de dos violines, violonchelo y continuo que podía reforzarse, según las exigencias de la ocasión, por un grupo de cuerdas más grande( el ripieno). El concerto grosso surgió de esta práctica romana. Corelli estaba escribiendo concertos desde la década de 1680 y 12 de ellos fueron publicados en revisión, como su op. 6 en 1714. A pesar de los contrastes de textura entre el concertino y el ripieno, hay poca diferencia en el estilo y la sustancia de la escritura para los solos y para el tutti y estas obras se han descrito, con alguna justificación, como trío sonatas“ ampliadas”. Como en sus sonatas, Corelli mantuvo una distinción entre concertos“ de cámara” y concertos“ de iglesia”( con y sin movimientos de danza respectivamente). Pero en ninguno de los dos tipos hay un orden o número fijo de movimientos.
Aun antes de ser publicados, los concerti de Corelli establecieron una moda que se difundió con rapidez por el norte de Europa. Ya en 1682, el Armonico tributo de Georg Muffat( publicado en Salzburgo) introdujo el concerto de estilo romano en Alemania. En Inglaterra, Corelli se convirtió en una figura de culto y lo siguieron Geminiani y Handel, cuyos Twelve Grand Concertos( Doce grandes conciertos) op. 6( 1739) constituyen un compendio brillante y original de los estilos del concerto barroco con un núcleo corelliano.
3. El concerto ritornello Un grupo de compositores venecianos a principios del siglo XVIII logró un desarrollo de mucho mayor alcance en el concerto. En 1700 Albinoni publicó una colección de conciertos para violín solista( parte de su op. 12) que reflejaban los manierismos de la sinfonía operística contemporánea y están diseñados en su mayoría en tres movimientos( rápido-lento-rápido). Vivaldi siguió su ejemplo, y sus 600 conciertos explotan un vívido lenguaje orquestal de efectos sencillos e ideas memorables, aunados a nuevos estándares de virtuosismo en sus partes solistas. La revolucionaria serie de 12 conciertos para cuerdas de Vivaldi L’ estro armonico( op. 3, 1711) fue la primera en hacer un uso regular y sofisticado del principio del ritornello. El ritornello – un estribillo de una o más ideas tocado por la orquesta – se expone completo al inicio del movimiento y regresa en varias ocasiones, completo o parcialmente, para separar las secciones solistas y subrayar los varios centros tonales por los que pasa la música.